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jueves, diciembre 20, 2007

"La brújula dorada"

_Ya hace unos años que el estreno de adaptaciones de libros de fantasía es una constante. En la mayoría de los casos son superproducciones que llegan poco antes de navidad y llenan el hueco que dejó “El señor de los anillos” y en breve dejará “Harry Potter”. Este año destaca “La brújula dorada”, adaptación de “Luces del norte” de Phillip Pullman, un excelente libro que ha dado lugar a una película entretenida pero algo irregular.

_ Para los que aún no hayáis leído la trilogía de “La materia oscura”, la película os puede parecer interesante aunque algo compleja, pero para los que nos maravilló la obra de Pullman, la experiencia puede resultar de lo más confusa.

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Los más puristas se llevarán las manos a la cabeza en más de una ocasión, cuando descubran el cambio de numerosos nombres. Y no me refiero al título, que en la edición española del libro es “Luces del norte” (traducción literal del original “Northen lights”) y que en la película han cambiado por “La brújula dorada”, más sugerente y que, además, coincide con el título original del film: “The golden compass”. Este primer cambio llama la atención, pero no es en absoluto algo nuevo, ya que se rebautizó así a la edición estadounidense (algo similar ocurrió con “Harry Potter y la piedra filosofal” que a su versión americana se le llamó “Harry Potter and the sorcerer’s stone”, algo así como “la piedra del brujo”).

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A lo que me refiero es a la traducción española, en la que deliberadamente han rebautizado a los “Giptanos” como “Gipcios”, a los “daemonions” como “dimons” y a los “zampones” como “devoradores”. Desconozco si con la traducción se ha respetado la versión original (del libro y del film) o si, por el contrario, se ha traducido literalmente sin echar cuenta al libro editado en nuestro país. Sea como fuere, para los que lo hemos leído puede parecernos algo chocante.

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A pesar de ser una gran película, creo que los guionistas han tomado un camino fácil, convirtiendo la historia en algo más lineal, eliminando múltiples subtramas que le conferían un halo de misterio y fuerza al relato original y, sobretodo, infantilizando premeditadamente el conjunto para conseguir un producto más comercial. Si por algo llama la atención la obra de Pullman es por ser algo más adulta y oscura de lo habitual, una historia donde no todo es blanco o negro, sino que contiene matices. La película apuesta por plantear la historia en los primeros minutos, eliminando la mayoría de misterios y revelándote cosas que deberías tardar en descubrir. De alguna forma, reducen una trama compleja a la mínima expresión para después poder lucirse en una trama general más simple y sobretodo en su aspecto visual. A menudo esto resulta algo artificioso, como si algunos pasajes acontecieran sólo para desembocar en una inevitable escena de guerra o con el propósito de “maravillar” al espectador.

_Es una película precipitada, en la que todo sucede a un ritmo acelerado. Esas prisas por llegar a las escenas de acción provoca que algunas de las ideas sean difícilmente asimilables y que las escenas más pintorescas ocurran “por que sí”, sin dar demasiadas explicaciones.

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Siempre debemos tener claro que un libro es un libro y una película es una película. En una obra literaria uno puede tomarse su tiempo para leerla y disfrutarla, así que el film siempre tenderá a ir más al grano. Por eso las adaptaciones a la gran pantalla nunca pueden ser literales y tenemos que aprender a verlas como lo que son: la misma historia narrada de otra manera y con otros recursos. En “La brújula dorada” parece que han optado por simplificar hasta convertirla en una película algo deshilvanada, dejando la sensación de que faltan retazos de la historia al espectador que no haya leído previamente el libro.

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En la obra original se incide muy especialmente en dos conceptos: la relación de los humanos con sus daemonions (la representación de sus almas en forma de animal) y en el misticismo de las partículas de “polvo”, que no dejan de ser una metáfora del libre albedrío, el pecado y la libertad. En la película, ambos conceptos están presentes, pero se diluyen en la grandilocuencia de las imágenes y se sintetizan en apenas cuatro frases. Cuando uno lee las páginas de Pullman considera algo atroz separar a un niño de su daemonion, es algo realmente espeluznante, en la película se trata de dar la misma importancia pero quizá sin demasiada fuerza. De la misma forma, el Magisterio sigue haciendo alusión al polvo y lo que representa, pero lo convierte en algo menos profundo, quizá para evitar comparaciones religiosas.

_En mi opinión, creo que la película pierde el norte al no potenciar la trama de los secuestradores de niños, que es, en realidad, lo que mueve a la protagonista en el primer libro de la trilogía.

_Al margen de todo ello, la película es visualmente abrumadora, con unos efectos especiales de alta calidad y unos paisajes retro-futuristas increíbles. A mi parecer, el reparto ha sido una buena elección, empezando por la debutante Dakota Blue Richards, que es una Lyra casi-perfecta y siguiendo por la acertadada decisión de incluir a Nicole Kidman en el papel de la estirada señora Coulter y a Daniel Craig como Lord Asriel. Así mismo, la ambientación y otros aspectos técnicos siguen siendo sobresalientes. La música del genial Alexandre Desplat acompaña al relato quizá sin convertirse en uno de sus mejores trabajos, pero de forma más que efectiva.

_Sin duda alguna “La brújula dorada” es una correcta adaptación de un libro de fantasía, muy superior a filmes como “Eragon”, que a muchos nos dejaron con la espinita clavada, aunque inferior a las ya mencionados “El señor de los anillos” o la saga “Harry Potter”. “La brújula dorada” merece rodar sus dos próximas secuelas, para la que está claro que se han reservado más de un as bajo la manga, aunque, como siempre, todo dependerá de la respuesta del público. ¡Crucemos los dedos!



Direcciones de interés:

-Artículo publicado en: EspadayBrujería.

martes, octubre 23, 2007

¡Ya soy escritor!: "El mundo de Komori"

___Últimamente no he tenido tiempo para nada, y menos aún para actualizar el blog :P El motivo era la publicación de mi primera novela juvenil: "El mundo de Komori: La tierra de Alidra". ¿Véis eso que pone en Mi Perfil?, lo de "intento" de escritor. Pues ya no soy un mero intento... ¡YA soy escritor!

___Hoy sale a la venta mi primer libro y he querido celebraro inaugurando su web oficial y un blog renovado: www.JaviAraguz.com/blog

___Como ahora tengo que ponerme con el segundo libro, no sé de cuánto tiempo dispondré, así que el nuevo blog será algo más escueto y personal. En realidad será una ampliación de mi web profesional.

___De todas formas, si algún día tengo algo que contar, por chorra o absurdo que sea... por aquí estaré.

domingo, marzo 18, 2007

LOST: Lo que tendría que haber pasado

___Estoy enganchado a las series. Vaya, como todo el mundo. Y no me refiero a "Los Serrano" o "Yo soy Bea", que no tengo nada contra ellas, pero no son precisamente las series que me llaman. Las historias de las que hablo son esas en las que un ingeniero estructural debe sacar a su hermano de la cárcel, o en las que un avión cae en una isla más rara que ver nevar en agosto. Que sí, que sí, que todos sabéis de lo que estoy hablando. Las series USA son la leche merengada, y quien diga lo contrario, es porque no las sigue.

___A día de hoy sigo 28 series. Voy a repetirlo... ¡28 series! Lo primero que se le pasa a uno por la cabeza es: "Joder macho, cuanto tiempo libre tienes". Nada más lejos de la realidad, apenas veo un capítulo de veinte minutillos desayunando (My name is Earl, The IT crowd, Como conocí a vuestra madre...) y otro largo antes de irme a dormir (24, Alias, Prison Break, Heroes...). El tiempo que otros invierten en ver el dichoso polígrafo yo lo empleo con mis queridas series.

___Pero hoy no quiero hacer alarde de cantidad, si no de calidad. ¿Cuántos han visto LOST (Perdidos)? ¡Vaya!, todos... lo imaginaba. Sería más justo preguntar: ¿Cuántos empezasteis a ver LOST? Porque seamos sinceros, la que empezó como la serie revelación de la temporada, de la década y mucho más, está ahogándose en un pozo sin fondo que para sí quisiera Sádaco. LOST cae en picado y la culpa no es ni de sus actores, ni de sus guionistas, siquiera de su público... la culpa es de la avaricia.

___¿Por qué si una serie funciona tienen que alargarla hasta límites insospechados? Y lo que es peor, ¿por qué si una serie funciona tienen que convertirla en una insulsa sucesión de nuevos personajes, arcos argumentales de lo más manidos y rocambolescos entramados que al final acaban por hacerte perder el interés? Antes, Locke era mi héroe, ahora, es un calvito que se cree McGuiver.

___Cuando vi el primer episodio de LOST, el piloto, dije: "¡WOW!". Era LO MEJOR que había visto en años (y se supone que tengo cierto criterio... ¡sigo 28 series!) :P Devoré la primera temporada. Vibré con el episodio de Charlie colgando en una liana, flipé con Locke y sus frases místicas, aluciné con la famosa escotilla y los números malditos. Aquello era una serie y lo demás son tonterías. Acababa el episodio y aparecía el letrero de... "LOST", que para mí era algo así como un... "JÓDETE". Sí, "jódete-porque-te-queda-una-semana-para-saber-cómo-seguirá-esto".

___Pasaron los capítulos y fui perdiendo el interés. Los personajes se volvían planos, los misterios no se cerraban y cada vez estaba más harto de la islita hawaiana y los osos polares salidos de la nada.

___Y, aunque aún la sigo, ha caído en mi top ten personal del puesto número 1 al puesto número... vaya, ya ni lo sé. Criticar es fácil, lo difícil es ofrecer una solución:


QUÉ TENDRÍA QUE HABER PASADO EN LOST PARA CONVERTIRSE EN UNA SERIE MÍTICA

___Mi propuesta personal (contiene spoilers):

___Después de una temporada entera ya conocíamos a fondo a todos los personajes. Locke cada vez tenía menos misterio, Hurley ya no hacia tanta gracia y nos había quedado claro de hasta dónde podía llegar Charlie con su adicción. ¿Para qué más? Creo que está muy bien como resolvieron la papeleta con la balsa, y los "nuevos huéspedes" de la isla, pero, personalmente, esperaba más.

___Todas esas (buenas) ideas, podrían haberse mantenido, pero para mí, lo importante era SACAR de la isla a alguien. ¡No matarlo! Sacarlo. Que sí, que sí, que la balsa tenía que llegar a su destino.

___Imaginemos que Hurley (al que le espera una fortuna en casa) vuelve a su hogar y se convierte en un famoso millonario (famoso por su cautiverio, rico por el billete premiado de lotería). Imaginemos también que Jin se reencuentra con su suegro (el mafioso) y éste le da una somanta de palos porque ¡ha abandonado a su hija en una isla desierta!

(Redoble de tamblores y muchos... "¡tachán!-¡tachán!").

___Imaginemos que secuestran al niño, pero que su padre (herido de bala) sí que vuelve a casa. Nuevamente, la madre le reprocha el haberlo dejado solo. En definitiva: tres personajes han vuelto a casa, pero dos de ellos necesitan volver a la isla (Jin y Michael) y uno (Hurley) tiene "la pasta" para hacerlo realidad.

___También podríamos haber incluido a Sawyer en la ecuación, convirtiéndolo en el típico héroe que rechaza la aventura hasta que un trágico suceso en su recuperada vida le da el motivo que necesitaba para volver a por sus "amigos".

___Vale, ya tenemos una segunda temporada como Dios manda. No sólo aparecen los pasajeros de cola (Ana Lucía, Mr. Eko y compañía), y los "otros" han secuestrado al niño, si no que además hemos sacado a cuatro personajes esenciales de su entorno y para colmo... ¡están deseando volver!

___Pasa la segunda temporada. Peleas, paranoias, flashbacks, uno muere, el otro vive, patatín y patatán. Se resuelve el gran misterio de Dharma y acaba la serie con un subidón del quince. Hurley llega con una camisa floreada y sus gafas de sol a lo Jack Sparrow, Sawyer empuñando un arma que por su tamaño podría considerarse de destrucción masiva, Michael está más cabreado con los "otros" que un orco del Señor de los Anillos y Jin, buenooo... Jin va a patear el culo a quien se interponga entre él y su jamelga, Sun. Y para colmo, por el camino se ha empollado un libro de gramática inglesa.

___ESO es una serie y no el mareo al que nos están sometiendo. ¿Alguien se acuerda del "humillo maligno" que vio Mr. Eko? ¿Alguien recuerda aquél rumor que decía que "estaban en el purgatorio"?

___LOST molaba, pero debo reconocer que le sigo dando una oportunidad a Abrams. Y es que él es el responsable de la serie que más me ha emocionado, hecho sufrir y reír en los últimos años: "ALIAS". Que sí, que si sólo habéis visto un episodio suelto en Cuatro parece un rollete, que sí que está llena de fantasmadas y la Garner "es fea". Probad a seguir la serie desde el principio, no sólo no os decepcionará, si no que además ¡SORPRENDE!

___Ahí queda eso. Aprovecho para recordar que soy guionista: señor Abrams, contráteme que estoy a dos velas.

lunes, enero 15, 2007

"París: Día 06 - Montmatre y... ¡Amélie!"

___París siempre me ha parecido un destino de lo más turístico. ¿Qué podía tener la capital francesa que me llamara la atención? Realmente nada. Quizá sentía algo de curiosidad por ver ese amasijo de hierros que parecía ser la Torre Eiffel, pero eso no era suficiente. Por suerte llegó "Amélie", una deliciosa película de Jean-Pierre Jeunet que tiene tantos seguidores como detractores. Y me enamoré de su fotografía, de su estética, de la música de Yan Tierssen y de los grandes ojos de Audrey Tautou. Y entonces, por fin quise ir a París. Ya tenía "mi motivo".

___Era martes, estaba nervioso, era el día en que por fin conocería Montmatre. El día freak en el que jugaría a las diferencias.

___Como no podía ser de otra manera, desayunamos al son de "Le vals d'Amélie". En cada viaje tenemos una Banda Sonora. Me refiero a una música que constantemente se repite a lo largo del viaje. Es algo natural, no provocado, simplemente dejamos que ocurra. En el caso de París, sin duda nuestra BSO fue la genial música de Tierssen y el retrosound de Pink Martini. Agradezco enormemente a Laure que decidiera despertarnos cada mañana con la música perfecta.

___Nos levantamos pronto para aprovechar el día, pero Isa llevaba días quejándose de los pies. Bueno, en realidad no eran los pies, sino los zapatos. Como nos esperaba un día de pateada larga, preferimos ir primero a comprarle unas bambas ("bambas" se dice por aquí, aunque en la mayoría de los sitios es "zapatillas deportivas" o "tenis", nombres que considero más acertados, pero que me suenan a chino). Paramos en “Republique” buscando tiendas de deporte a lo Decathlon, finalmente entramos en Go Sporto e Isa se compró unas Reebok por 35€, lo cual no está nada mal, contando que estábamos en un país extranjero y que por lo menos en Barcelona, el calzado suele ser bastante carillo. Después llegamos hasta la Ópera y las estrenó en sus grandes escaleras. Echamos un vistazo al interior, vimos el hall y algunas estatuas, pero nos reprimimos a hacer una visita guiada que creo recordar era bastante cara. Cogimos el metro nuevamente y llegamos a "Abbesses", la parada del barrio de Montmatre y que por cierto sale en la película (donde está el hombre ciego con el tocadiscos).


___Se había hecho algo tarde, teníamos hambre así que decidimos ir al parque de Montmatre, un monumental parque ajardinado y algo empinado, lleno de escaleras y coronado por la iglesia del Sacré Coeur, que a todos nos recordaba al Taj Mahal. Nos comimos un par de bocadillos, la mayoría estaban de pic-nic. Comer mientras observabas a la gente se convirtió en una experiencia de lo más curiosa, vimos desde un caricaturista concentrado en la chica rubia que estaba retratando, hasta tres turistas budistas con cara de estar pasándoselo en grande. Comimos rápido y subimos hasta la iglesia. Quizá era más interesante el exterior que el interior, sobretodo porque Montmatre es una colina, y desde la entrada del Sacré Coeur tienes una buena vista de París.


___Seguimos por las callejuelas que había tras el templo y descubrimos un buen camino en el que encontramos el antiguo cabaret Lapin Agile (conocido por el dibujo que hizo André Gill de un conejo saltando de una sartén), los viñedos de Montmatre y finalmente una plaza repleta de artistas ofreciéndote un retrato, una caricatura, tu silueta en cartón en menos de un minuto o cualquier otra habilidad que te puedas llevar a casa como recuerdo. Nos llamó la atención un chico sentado con una bola de cristal, moviéndola entre las manos simulando que esta flotaba. Era una parida, pero la verdad es que te dejaba medio hipnotizado. Lo más parecido que he podido encontrar es este vídeo de Kirai.


___Después cogimos la Rue Lepic y bajamos directamente hasta “Les deux molins”, que como muchos ya habrán adivinado, es la famosa brasserie donde trabaja Amélie Poulain en la peli. La primera impresión es ciertamente decepcionante, lo han arreglado un poco, parece más moderno, pero una vez dentro, el encanto de la gente haciéndose fotos y el gran cartel firmado por Jeunet te reconcilia con el lugar.


___Nos tomamos con calma un café con hielo y una Coca-Cola mientras dibujábamos a Audrey Tatou en nuestras libretas y jugábamos con las gafas de sol de Laure. Después, el freak que hay dentro de mí, sintió la necesidad de ir a curiosear al lavabo, ¿sería igual que en la peli?, ¿habría una cabina de teléfonos? El resultado fue algo desagradable, hice un par de fotos mientras me reía solo y pensé que no les costaría mucho arreglar el baño igual que el resto del lugar.



___Tras un buen descanso, pasamos frente al Moulin Rouge (realmente no vale la pena), y proseguimos con nuestra búsqueda y captura de localizaciones de Amélie. Encontramos el Studio 28 un antiguo cine que aún desprende cierto encanto y que en la peli apenas se ve en un par de planos, después llegamos hasta el lugar donde se filmó la parte de la verdulería. La “Maison Collignone” (en realidad llamada “Au marche de la butte”) se mantiene bastante similar en su exterior (incluso han dejado el cartel de la verdulería falsa en su tejado y exhiben un par de fotos del rodaje), pero una vez entras dentro, descubres una pequeña tienda de alimentación con un encanto más bien nulo. No pude contenerme y acabé comprándome un cartel de la peli en francés.


___Tras nuestro largo e interesantísimo paseo por Montmatre, nos dirigimos de nuevo al centro, esta vez utilizando la línea de metro 14, que como particularidad no tiene conductor y puedes ponerte en una de sus puntas viendo todo el recorrido por los túneles a través del cristal.

___Cenamos y por la noche visitamos un curioso antro donde tocaban música tradicional bretona y otras canciones folk. Descubrimos que Laure sabía leer cirílico y que cantar no era lo suyo. Además, se me ocurrió tratar de leer la letra de “Beyond the sea” en francés, con tan poca pericia que entonaba el “la meeer…” (la mar) como un “la merdeee…” (la mierda). A Laure le dio un ataque de risa y yo me alegré de no haberlo leído en alto ¬_¬U

jueves, noviembre 02, 2006

"Entrevista a Guillermo del Toro"

___En el pasado Sitges, tuve ocasión de entrevistar a Guillermo del Toro, excelente cineasta y mejor persona. Guillermo siempre se muestra afable y dispuesto a responder algunas preguntas.


1-¿Cuándo, dónde y por qué surgió la idea inicial para “El laberinto del fauno”?
La verdad es que surgió hace ya mucho. Realmente, la tentación era hacer una historia completamente diferente a la finalmente rodada, porque la composición original era una película más del tipo Arthur Machen o Algernon Blackwood, sobre “la fuerza de lo pagano”. Fue una idea completamente diferente, la idea era que una mujer preñada con su marido cornudo, viajaban a una vieja mansión en la costas cántabras y la mujer se enamoraba de un fauno que vivía en el laberinto en ruinas. Al final, terminaba sacrificando a su hijo con tal de vivir en el reino de la hadas. La mujer estaba abandonada por el marido, había un embarazo no buscado y una ella sentía el despertar por una pasión amorosa y por la imaginación hasta el punto de decir: “Prefiero perder a mi hijo unos minutos y luego lo encuentro en el mundo de las hadas”. Una locura. De repente terminó en una locura igualmente descabellada que fue una fábula antifascista, no sé cómo evolucionan estas cosas, pero así fue en este caso.


2-¿Por qué el fascismo es un tema recurrente en tus películas?

La voluntad, más que el fascismo. Lo que me interesa del fascismo es justamente que es un hoyo negro de la voluntad. Es un sistema que no necesariamente es único, pero absuelve la brutalidad, absuelve la falta de moral y absuelve la decisión propia. Cuando te dicen: “Tú puedes matar a esta gente porque que son judíos, rojos o homosexuales, ¡lo que sea!” En ese mundo puedes permitir una acción brutal en base a un consejo colectivo, eso es lo que me asusta.


3-¿Es cierto que te inspiraste en varios cuadros de Goya?

Bueno, de Goya, de Rackham, de los pintores simbolistas… De hecho hay citas concretas en la película a muchas obras. Por ejemplo, el cuadro de “Saturno devorando a su hijo” lo cito cuando el hombre pálido se come a una de las hadas. Hay citas muy textuales sobre la forma de pintar y dibujar de Arthur Rackham, también hay citas muy puntuales a algunos pintores simbolistas. Extrañamente, es la película más influida por la literatura infantil, la literatura sobre la literatura infantil y la pintura que he escrito.


4-El diseño para del fauno es genial y no coincide con el arquetipo de fauno de la mitología griega. ¿Cómo distéis con la imagen para el personaje?

Desgraciadamente para mí, yo veía a un fauno cuando era muy pequeñito y dormía en casa de mi abuela. Al dar las doce de la noche, sonaban las campanas de la iglesia y yo veía a un fauno saliendo de mi armario. Entonces empezaba a gritar. Lo veía siempre igual; salía primero la mano, luego la cara de cabra y luego la patita de cabra izquierda, y en el momento que salía a por mí yo gritaba y me llevaban a la habitación de mi abuela. Por las mañanas buscaba tras el armario, tratando de encontrar un portal o algo detrás. Y de ahí viene un temor recurrente en mis películas: “la visitación nocturna en la en la cama de los niños”. La niña en “Cronos” que se despierta a media noche y descubre al abuelo yonki, inyectándose con el aparato, todos los niños visitados por el fantasma en “El espinazo del diablo”… Todas esas escenas, vienen de ese recuerdo primigenio. “El laberinto del fauno” es una película que está muy basada en eso, pero las piernas de ese fauno estaban principalmente inspiradas en los dibujos de Arthur que tienen ese tipo de árboles torcidos y vagamente sexuales.


5-¿Cómo encontraste a Ofelia (Ivana Baquero)?

Para el cásting de la niña vimos alrededor de 100 aspirantes, y no había ninguna que pudiera con el papel. Finalmente entró Ivana y yo dije: “Es muy mayor para el papel”, ¡porque el guión está escrito para una niña de ocho años! vana era físicamente muy diferente a Ofelia, si la ves ahora, tiene el pelo rizado y las cejas un poco más gruesas. En la película le pusimos el pelo lacio. Ivana leyó el papel, concretamente la escena en la que habla con su hermano en el vientre de la madre, y al terminar todo el mundo estaba llorando en la sala de pruebas. Esa niña es un monstruo, la cité una segunda vez y la di unas instrucciones muy puntuales. Es muy importante en una actriz que sepa escuchar y ella siempre escucha.


6-¿Por qué decidiste ambientar la historia en la posguerra española?

Para mí “El espinazo del diablo” era una metáfora sobre la guerra civil concretamente, pero sobre la guerra en general, y de repente el mundo del 2001 al 2006 había mucho. “El espinazo del diablo” se estrenó el 9 de septiembre de 2001 en EEUU, el 10 cogí un avión para ir a Los Ángeles y el 11 de septiembre estaba en el cuarto de edición de “Blade 2” viendo las noticias. El mundo de entonces cambió tanto que pensé que valía la pena crear un paralelismo y ver qué había pasado con España del año 39 al 44. Intenté hacer un seguimiento, encontrar una coartada histórica en la que España se viera como en un laberinto. Y en el 44 sucede que todavía hay resistencia, hay todavía la esperanza de que los aliados, después de Normandía, miren hacia España y ayuden a derrocar a Franco, cosa que jamás sucedió. Pensé que era un momento idóneo para hacer una fábula sobre la desobediencia. La desobediencia es totalmente lo contrario del fascismo, que es la obediencia del grupo para el grupo.


7-¿Por qué decidiste rodarla en España? ¿Qué diferencia hay entre rodar aquí, en México o EEUU?

La verdad es que como la historia estaba ambientada en España, me surgió naturalmente la inquietud de rodarla aquí. La verdad es que se filma muy a gusto en España. Técnicamente no hay ninguna desventaja, humanamente, la verdad es que se vive mucho mejor en España que en casi cualquier otro lugar del mundo. Yo creo que México y España son lugares muy vivos, de manera muy diferente, pero lugares dónde se vive bien, la gente come bien, se divierte bien, es todo muy vital. Rodar la película en España, lo único que sí supuso fue empujar a todos los departamentos al máximo. Teníamos a Ramón Moya en decorados, sufriendo, pero disfrutando enormemente porque estaba construyendo algo enorme. Toda la película sucede ambientada en decorados construidos. Teníamos a DDT teniendo derrames cerebrales cada dos semanas, porque estábamos pidiendo un sapo gigante, un fauno, un hombre pálido, una mandrágora, varias amputaciones… se sentían felices, pero empujados hasta su límite vital. Realmente, David tuvo un par de momentos bastante duros en la película. Lo importante es que al empujarlo todo, la película tiene una factura poco común en cuanto a cine español se refiere. Es decir, la factura técnico lo empuja todo un poquito, más allá de lo normal.


8-A menudo hablas de producir a jóvenes noveles con talento. Cuéntanos más sobre ello.

Hay gente que me interesa mucho para que debute en el mundo del cine, gente con mucho talento. Está David Alcalde, Eugenio Mira, Luiso Bermejo, Elio Quiroga, hay gente con cortometrajes que, tras verlos, deseas ayudarlos para que algo suceda. Pero al mismo tiempo estoy tratando de producir a esa gente con cuyo guión y proyecto me siento identificado yo también. En el caso de Bayona, leí “El orfanato”. Conocía los cortos de Bayona perfectamente, y aunque ninguno me indicaba la proclividad hacia el terror, sabía que el tipo era un talento que tarde o temprano va a convertirse en una fuerza futura del cine español. Es bonito ser parte de los primeros pasos de alguien, porque puedes protegerle de los otros y de sí mismo, que también es muy importante. Lo que busco es gente en la que confíe, pero que también sepan escuchar. Proyectos que no sólo le gusten a ellos, sino que me gusten a mí también. Si no se dan esas condiciones, para mí no tendría sentido producir. Puede haber un director brillante y con un guión que yo no entienda, pero para mí no basta con eso para involucrarme, no basta con confiar sólo en el director. Tengo que confiar en el guión, en el director y en muchas cosas más, para poder manejar mejor. Por ejemplo, Alfonso Cuarón y yo coprodujimos una película llamada “Crónicas”, con John Leguizamo y Leonor Watling. Confiábamos plenamente en el director, confiábamos plenamente en el guión, pero en postproducción hubo un momento bastante duro en el que se tenía que cambiar el final porque, evidentemente, no funcionaba. Tuvimos esa charla con el director y accedió sin problemas, cambiamos el final, se filmó otra vez. La película resultó tan bien que fue seleccionada para Cannes, y estamos felices de haberla llevado a cabo, pero si no hubiera existido ese diálogo, habría sido difícil producirla.


9-¿Qué paso con “Halo”?

Estuve en “Halo” unos 3 o 4 meses, desarrollamos un nuevo guión, me vi con Peter Jackson en Nueva Zelanda, y estuvimos hablando con Richard Taylor y todo ese rollo. Pero siempre estaba la espada de Damocles de “Hellboy 2”. Yo no quería dejar “Hellboy 2” y finalmente lo que decidimos de común acuerdo es que mientras esté “Hellboy 2” yo no podía estar participando en nada. Efectivamente a las pocas semanas de dejar “Halo”, “Hellboy 2” recibió la luz verde, y ahora estoy en ello.


10-Entonces, ¿Habrá “Hellboy 2”?

Abrimos las oficinas la semana pasada, estamos trabajando ya con Mike Mignola, Gwen Barlow, Francisco Ruiz Velasco, que es un mexicano que hace unos cómics sensacionales… estamos con el director de arte, la directora de vestuario ya diseñando todo, y hemos generado material muy bello visualmente. Así que… sí, habrá “Hellboy 2”.


11-¿Cuales son tus próximos proyectos? ¿Sigue en pie “En las montañas de la locura”?

Sigue en pie, lo que pasa es que es muy difícil de hacer realidad. Es un guión en el que ya en dos o tres ocasiones he tenido a los estudios muy cercanos de darle la luz verde. Hemos viajado incluso a Rumania para ver los estudios, para ver si podríamos filmar allí lo que queremos. Pero algo sucede siempre, algo que evita que el proyecto se haga realidad. Incluso generé maquetas y dibujos financiados sin pedir nada al estudio, tenemos maquetas y diseños por todos bellísimos, pero la película cuesta alrededor de 80 millones de dólares y lamentablemente no los tengo.


12-Pregunta sorpresa… ¿Qué quieres que te pregunte?

A mi me gusta mucho Lovecraft, y cuando hablamos de “En las montañas de la locura” siempre me preguntan por qué quiero llevarla al cine. Para mí, el texto de Lovecraft no tiene un contexto que parezca muy relevante hoy día, y es que él escribe sobre la exploración antártica, es un poco la mezcla de aventura a lo Shackleton y cuento de horror a lo Poe, con los elementos del horror cósmico de Lovecraft. Lo que intento mostrar en el guión, no es sólo la insignificancia de la escala del hombre en relación al cosmos, que es de lo que trataba la novela, sino mostrar la locura, no solo de la mística lovecraftiana, sino de la locura del hombre por el conocimiento. El como la fe es suplantada por el conocimiento. Un horror profundamente jesuita si quieres, en donde el hombre debería sostenerse por la fe y no por el rigor científico. Me interesa mucho, porque es un momento en el que yo creo que todo lo que es espiritual está siendo corroído por lo material, y la película tiende a hablar de eso.


13-Sobre el final de “El laberinto del fauno”. ¿Fantasía o realidad?

Para mí, por supuesto… REALIDAD.



Direcciones de interés:

-Entrevista a Guillermo del Toro publicada en: CineActual, Fantasymundo, Ociojoven.

"Entrevista a Park Kwang-Hyun, director de 'Welcome to Dongmakgol'"

___En la pasada edición del Paris-Cinèma, tuvimos ocasión de entrevistar a Park Kwang-Hyun, director de la aclamada (y muy recomendable) película surcoreana Welcome to Dongmakgol”. Un melodrama con grandes dosis de comedia y surrealismo que se presentó con gran éxito de público tras haber arrasado en su país de origen y que, entre otras sorpresas, cuenta con el siempre espléndido Joe Hisaishi a cargo de su banda sonora y a la que muchos recordarán por su papel en “Old Boy”, Hye-Jeong Kang.

___La trama de la película es sencilla: en la guerra entre las dos coreas, dos tropas de bandos opuestos se pierden por las montañas en el transcurso de uno de los enfrentamientos. Ambas descubren un poblado aislado de la guerra, una comunidad que desconoce siquiera el significado de las armas.


01-Por favor, preséntate.

___Nací el 21 de agosto de 1969. Estudié en la Hongik University, especializándome en Visual Design.


02-¿Cómo surgió el proyecto de “Welcome to Dongmakgol”?

___Welcome to Dongmakgol” era una obra de teatro de un director coreano. Tras ver mi corto “My Nike 2002”, incluido en la película “Omnibus”, me propuso adaptarla a la gran pantalla. Me encantó la idea, ya que creía que tenía varios conceptos visuales interesantes. Trabajamos en el guión durante año y medio y después rodamos en once meses.


03-¿Cómo fue la experiencia de rodar tu primer largometraje?


___En estos momentos estoy muy feliz por haber entrado en la difícil industria del cine, es un sueño cumplido.


04-¿Qué se siente al arrasar en los pasados Korean Film Awards, ser la película mas vista del año, estar entre las cinco más vistas en tu país y ser propuesto por los Oscar de Hollywood?

___Antes de estrenarse la película, muchos medios anunciaban una verdadera catástrofe en taquilla. Era una película compleja a cargo de un director desconocido, con un presupuesto elevado y sin ninguna estrella en el reparto. Pero tanto el equipo como yo creíamos firmemente en la película. Finalmente, en la premier la gente se puso en pie y aplaudió… ¡casi me pongo a llorar!


05-¿Cuáles son tus anteriores trabajos?

___Rodé el corto “My Nike 2002”, uno de los tres episodios de la película “Omnibus”. Trataba sobre un chico cuyo sueño era conseguir unas zapatillas Nike en una época económicamente difícil para su familia. Era un drama duro, pero lleno de corazón. También rodé varios anuncios para McDonalds Korea, portales web y agencias de seguros.


06-¿Cuál es tu formación?

___Tras mis estudios universitarios, trabajé como productor asociado en publicidad y al mismo tiempo estudié guionaje. Tras siete años como productor de publicidad, hice mi primer corto. Irónicamente, tras el corto realicé varias piezas publicitarias durante dos años. Y después, por fin llegó “Welcome to Dongmakgol”.


07-¿Por qué escogiste a Hye-jeong Kang para el papel de Yeo-il? ¿Cómo fue trabajar con ella?

___Hye-jeong Kang es una actriz muy especial. Su vida es muy diferente a la de todos nosotros. En realidad, se parece mucho a Yeo-il. Lo noté la primera vez que rodé uno de los anuncios con ella, después reafirmé mi postura tras verla en varios trabajos más. La escena en la que se seca la cara con un calcetín, o cuando sorbe la lluvia, eran verdaderas acciones que llevaba a cabo en su infancia. Pregunta mucho durante el rodaje. A veces me abrazaba cuando veía que no sabía qué contestar, pero finalmente descubría cómo responderla y me daba cuenta de que la comunicación era realmente importante y se refleja en el resultado final. Como sus últimas películas eran bastante serias, verdaderos dramas, al principio le resultaba difícil reír como una niña. Pero a medida que el rodaje avanzaba, se convirtió en Yeo-il. Su interpretación era tan maravillosa que nos dejó perplejos al resto del equipo.


08-¿Por qué escogiste a Joe Hisaishi? ¿Cómo fue trabajar con él?

___La obra teatral original, tenía una visión bastante general, es decir, era un hecho particular que sucedía en un pueblo bastante curioso. Sus habitantes conocían las armas y la guerra a través de sus inesperados visitantes, ya que el pueblo permanecía constantemente incomunicado del mundo exterior. Era una sociedad libre hasta que llegan las tropas de ambos bandos. Pero yo tenía una idea algo diferente, quería provocar la fantasía, hacer un llamamiento a lo mitológico. Por todo ello, la idea de trabajar con Joe Hisaishi me surgió naturalmente, tuve suerte de trabajar con él. Fue todo un honor. Es un gran maestro, pero a su vez da mucha importancia a lo que el director quiere contar. El guión le encantó y coincidíamos en la mayoría de ideas. En un principio, decidimos hacer 17 canciones, pero tras la última versión del guión, surgieron hasta 34. Dijo que en estos últimos años, “Welcome to Dongmakgol” fue el trabajo en el que puso más pasión. Escuchando su música, Joe y yo hemos llorado mucho. Nos hemos prometido trabajar juntos en la próxima película.


09-¿Cómo han recibido la película en Corea del Norte y Corea del Sur?

___A la mayoría de surcoreanos le gustó mucho, aunque sí es cierto que había grupos de extrema derecha y pro-americanos que se rebelaron. Los norcoreanos posiblemente no hayan podido ver la película, ya que desgraciadamente el intercambio cultural entre las dos coreas no está muy activo. Yo mismo siento curiosidad por saber cuál sería su reacción.


10-¿Y en el resto del mundo?

___En Paris-Cinèma ha suscitado mucho interés. Tras el pase, me daban la mano y me decía que era una película muy bella. Ha sido recibida de maneras muy diferentes en cada país. En Italia aplaudieron mientras se pasaba, y al acabar se pusieron en pie y le dieron una verdadera ovación. Los espectadores japoneses lloraron mucho con ella, y los chinos la describieron filosóficamente.


11-¿Cuál será tu próximo proyecto? ¿De qué tratará?

___Si “Welcome to Dongmakgol” hablaba sobre la paz y la pureza, la película que ahora preparo habla sobre el valor puro. Si este mundo aún es soportable, es porque aún hay personas que conservan ese valor sin límites. Aparentemente, podría decirse que será una película de acción, que mostrará el paso de un chico a la edad adulta. Mi intención es mostrar una visión del mundo positiva.




12-¿Cuáles son tus influencias y autores favoritos?

___Hayao Miyazaki, el gran maestro japonés de la animación.


13-¿Se exhibirá la película en España?

___¿Crees que podría estrenarse en España? La verdad es que no tengo ni idea, es algo de lo que se encarga el departamento de distribución. Como director, lo más normal es que desee que cuanta más gente vea mi película mejor. Me encantaría que se estrenara en España.


14-¿Has estado alguna vez en España? ¿Te gustaría?

___Nunca he estado allí. He oído que es un país lleno de entusiasmo y pasión. Me encantaría visitarla algún día.


15-¿En qué estado crees que se encuentra el cine coreano en estos momentos?

___Creo que es como un volcán al rojo vivo. Hay muchos aspirantes que aún no han tenido su oportunidad, cuando salgan a flote, el volcán entrará en erupción. Son ellos los que van a cambiar por completo la industria del cine coreano. El problema es la reducción de la cuota de pantalla. Los cines coreanos tienen la obligación de exhibir películas coreanas durante ciertos periodos del año. El gobierno americano y coreano quiere reducir la cuota para importar más películas de Hollywood y exportar más cine coreano. La industria no está especialmente inquieta, goza de buena salud, pero quizá sí las cuestiones políticas que hay a su alrededor.

martes, agosto 29, 2006

"Prison Break: Escapar, es sólo el principio"

___Buenas notícias para los aficionados a las series americanas. FOX España va a estrenar "Prison Break" el próximo 4 de septiembre, y seguirá haciéndolo cada lunes a las 22:20h. Se rumorea que La Sexta tiene los derechos para la emisión en abierto, pero aún no hay nada confirmado.

___"Prison Break" trata sobre el ingeniero estructural Michael Scofield (Wentworth Miller), que decide provocar su ingreso en la cárcel para salvar a su hermano Lincoln Burrows (Dominic Purcell del que conocí a su clon en este post) de un crimen que presumible
mente no cometió. Michael es un chico listo y pretende escapar junto a Lincoln antes de que le lleven a la silla eléctrica, ¡en menos de un mes! Pero... tiene un plan.

___
He tenido ocasión de ver la primera temporada completa, y puedo decir que es sencillamente genial. Las aventuras carcelarias de Scolfield enganchan desde el primer momento. Las subtramas van cobrando fuerza e interés a medida que la serie avanza y la historia posee un plantel de personajes secundarios realmente abrumador. Entre el excelente reparto, podemos encontrar a Peter Stormare ("Chocolat") haciendo de John Abruzzi, un líder mafioso con muy malas pulgas, o a Robert Knepper ("Hostage") interpretando un papel a su medida: el mismísimo diablo hecho preso. Es sorprendete la manera que tienen los guionistas de crear tramas y situaciones difíciles jugando la mayor parte del tiempo en un mismo espacio y con limitados personajes. Sin lugar a dudas, la serie producida por Brett Ratner ("Hora Punta"), debería estar en el Top Ten actual de cualquier aficionado que se precie.


___Casualmente, ayer pude visionar el primer capítulo de la segunda temporada. Tenía cierta reticencia a que la serie continuara más allá de la prometida fuga del título. Además, había precedentes cercanos de cómo convertir una serie increíble en una serie pasable (véase "LOST", ¿qué interés tiene su segunda temporada?) Pero tras devorar los 40 minutos de su primer episodio, puedo decir que no me ha decepcionado en absoluto, muy al contrario, me ha sorprendido el que se hayan atrevido a reconducir la serie con tanta fuerza, generando en el espectador (que ya conoce a fondo a los personajes y los ha hecho suyos) un interés malsano por seguir sabiendo qué ocurrirá al acabar cada episodio. En definitiva, si queréis engancharos a una serie, "Prison Break" es vuestra mejor opción. No os decepcionará.


Links relacionados:

-Página oficial de "Prison Break" en FOX TV España.
-"Prison Break" en la Wikipedia.
-"Prison Break" en el Wiki de "Asia-Team".
-"Prison Break" en IMDB.com.
-"Prison Break Plan Map" publicado en Entertainment Weekly (en inglés y ¡spoiler!)



miércoles, agosto 23, 2006

"The IT Crowd: Humor binario"

___Ya he hablado en otras ocasiones de la calidad actual de las series made in USA, pero no todo lo bueno requiere de grandes presupuestos, ni viene del país de las hamburguesas. ¿Alguien ha visto "The IT Crowd"? ¿No?, ¡pues deberíais!

___"La muc
hedumbre informática" (traducción literal) es el último bombazo en la red. Estrenada el pasado 3 de febrero en el Reino Unido, la primera temporada (de tan sólo 6 episodios de 22 minutos de duración) es un verdadero derroche de ingenio y humor inglés al más puro estilo de los Monty Python. Su creador: el irlandés Graham Linehan (su CV aquí).

___El argumento es de lo más simple: dos geeks (Roy y Moss) trabajan en el departamento informático de una gran corporación, pero un día aparece Jen, una chica más bien pija que ha mentido deliberadamente para adquirir el puesto de supervisora en su departamento y, por supuesto, no tiene ni pajolera idea de ordenadores. Si a esa simple premisa, le sumamos un plantel de personajes secundarios de lo más variopinto (y sino esperad a conocer a Denholm o a Richmond), y una serie de argumentos alocados y atrevidos, el resultado es increíble. Un gozo. Disfrutas con cada una de sus frases, aún teniendo no más de 2 decorados, 3 protagonistas, 5 secundarios y estar grabado en un formato de lo más televisivo, e incluso me atrevería a decir que bastante "retro".

___También es de lo más curioso jugar a buscar referencias freaks entre plano y plano de la sitcom. Desde el "spaghetti monster" (que cita Microsiervos en este post), hasta camisetas de Atari, y Pacman o pegatinas de la EFF (Electronic Frontier Founfation) y otras asociaciones pro cultura libre, del tipo "MP3 is not a crime". Se agradece el que una serie tan premeditamente friki se haga con conocimiento de causa.

___Channel 4 ya ha confirmado una segunda temporada (notícia aquí), esta vez de 8 episodios de 30 minutos. ¡Esperemos que no vayan a producirlos con cuentagotas! Además, en Amazon.co.uk ya han anunciado la salida del primer pack de DVDs para el 9 de octubre de 2006 (pre-order) y en la red ya son muchos los que esperan ansiosos la continuación de esta genial serie.


Links relacionados:

-Web oficial "The IT Crowd".
-"The IT Crowd" en Wikipedia.
-Entrevista con Graham Linehan (en inglés).
-"The IT Cowd" en IMDB.com.